El disco más conciso y fragmentario de Radiohead reformuló la canción desde el loop y la edición digital. Entre naturaleza simbólica y deconstrucción electrónica, la banda convirtió el ritmo en arquitectura emocional
Radiohead
The King of Limbs
Autoeditado /TBD / XL. 2011. Inglaterra
El octavo álbum de estudio, The King of Limbs (2011), publicado el 18 de febrero, ocupa un lugar peculiar dentro de la discografía de Radiohead: es su álbum más breve, el más esquivo en primera escucha y, quizá por eso, uno de los más discutidos y subestimados.
A la distancia, se deja de percibir como una obra menor -así la catalogaron muchos críticos y seguidores en su momento- y más como un experimento radical sobre ritmo, repetición y desmaterialización del formato “canción”.
Contexto y relevancia de The King of Limbs
Tras la expansividad emocional de In Rainbows (2007), muchos esperaban una continuación cálida y orgánica. En lugar de eso, el grupo profundizó en el minimalismo rítmico insinuado en Kid A (2000) y Amnesiac (2001), pero filtrado por una obsesión casi microscópica por el groove fragmentado, el sample y el bucle.
Si In Rainbows respiraba carne y piel, The King of Limbs respira corteza y raíz. Si OK Computer (1997) miraba al futuro con ansiedad tecnológica y Kid A lo hacía con alienación electrónica, The King of Limbs miró hacia dentro, hacia lo microscópico: el patrón, el pulso, la célula.
El álbum está lleno de imágenes naturales (agua, árboles, raíces, flores), sin que haya historias claras sino estados mentales, como una especie de fragmentación emocional, una sensación de disolución del yo.
Producido por el indispensable Nigel Godrich, el disco se caracteriza por uso intensivo de loops y baterías quebradas y reprogramadas (quizá el principio de un cierto descalabro del rol de Phil Selway, que a partir de entonces comenzó a necesitar refuerzo en los directos), con las guitarras de Jonny Greenwood y Ed O’Brien creando texturas, el bajo de Colin Greenwood como elemento conductor y la voz de Thom Yorke sirviendo como cable a tierra.
The King of Limbs es probablemente el disco más centrado en el ritmo de Radiohead, aunque este no obedezca a una construcción convencional. La armonía pasa a segundo plano frente al patrón rítmico, con menor presencia de grandes crescendos.
Thom Yorke describió el método como una forma de “desmantelar y reconstruir” lo que habían tocado. No es casual que el disco suene simultáneamente orgánico y artificial: es música tocada por humanos, pero reordenada con mentalidad de productor electrónico
El llamativo diseño de arte Donwood y Yorke
La portada fue diseñada de nuevo por Stanley Donwood junto con Thom Yorke. Visualmente está cargada con colores saturados, verdes ácidos, rojos intensos, figuras arbóreas antropomórficas, una estética cercana al arte folklórico y al expresionismo.
El título alude al roble milenario “King of Limbs” de Savernake Forest (Reino Unido), reforzando el imaginario naturalista, y la idea de bosque psicodélico y vida orgánica distorsionada, en contraste con la frialdad digital del sonido.
Esa tensión entre naturaleza y procesamiento tecnológico es el núcleo conceptual del álbum, y por ello posee diferencias notables respecto a discos previos
Cuando Radiohead publicó The King of Limbs en febrero de 2011, el gesto fue tan abrupto como el propio disco: anuncio repentino, lanzamiento digital inmediato, ocho canciones y apenas 37 minutos.
Venían de redefinir la distribución musical con In Rainbows y su modelo “paga lo que quieras”; ahora parecían dispuestos a redefinir, otra vez, la expectativa misma de lo que debía ser un álbum suyo.
La recepción fue el desconcierto. ¿Era demasiado breve? ¿Demasiado hermético? ¿Demasiado inacabado? Quince años después, la pregunta suena distinta: ¿y si era, precisamente, su obra más concentrada?
Canción por canción: anatomía de un trance
El álbum abre con “Bloom”, un enjambre rítmico inestable en el que la batería parece tropezar sobre sí misma. Es una maraña de loops rítmicos sincopados. La batería (construida a partir de samples y reensamblajes) genera una sensación de inestabilidad permanente. El bajo no ancla: flota, ondula.
Líricamente, Yorke canta desde una perspectiva casi cósmica (“open your mouth wide”) (Abre bien la boca) empleando imágenes acuáticas y de expansión vital. La sensación es de inmersión, como si el oyente entrara en un ecosistema más que en una canción.
Ubicada al inicio, el tema es una declaración de intenciones: aquí manda el pulso.
La paranoia contenida de “Morning Mr Magpie” está repleta de guitarras entrecortadas sobre un ritmo desplazado. La frase “You’ve got some nerve coming here” (¡Qué atrevimiento tienes al venir aquí!) suena como una acusación lanzada desde un espacio mental fragmentado. No hay explosión: hay tensión sostenida.
La pieza desarrolla un sonido minimalista, seco, con guitarras tratadas como percusión. Se percibe la influencia del montaje digital más que del rock tradicional.
“Little by Little” es una de las piezas más hipnóticas. El título funciona como advertencia: la desintegración es progresiva. Yorke habla de algo que se pierde “poco a poco”.
Musicalmente: capas de guitarras con delay, bajo serpenteante y ritmo quebrado, mientras las guitarras se desvanecen en ecos. Es una canción que avanza en círculos, no en línea recta. La canción no se resuelve; se evapora.
“Feral” es el momento más radical del álbum. Voz convertida en textura y no como narrativa, percusión digital, collage sonoro.
Aquí Radiohead roza la abstracción total. Es menos canción que organismo sonoro.
“Lotus Flower” es el centro gravitatorio del disco. Un groove minimalista sostiene una letra sobre deseo y vulnerabilidad. “Slowly we unfurl as lotus flowers” (Lentamente nos desplegamos como flores de loto.) introduce una de las imágenes más delicadas del álbum.
El videoclip, con Yorke bailando en estado casi convulsivo recordando a Ian Curtis, convirtió la canción en fenómeno cultural. Pero más allá del meme, hay una composición extraordinariamente precisa en su economía.
“Codex” es un cambio radical: piano desnudo, metales lejanos, reverberación profunda.
Es la pieza más emocionalmente directa del disco. Las referencias al agua y al salto sugieren liberación o abandono. Aquí la repetición deja paso al espacio.
Por su parte, “Give Up the Ghost” está construida sobre loops de guitarra acústica y capas vocales, funcionando como una plegaria fragmentada.
La repetición de “don’t hurt me” (no me hieras) genera un efecto casi litúrgico, una sensación de vulnerabilidad extrema, un exorcismo íntimo. Es una canción frágil, desnuda, que parece deshacerse mientras suena.
“Separator” es quizá el cierre más luminoso de su catálogo hasta ese momento. “If you think this is over then you’re wrong” (Si crees que esto se acabó, te equivocas) funciona casi como manifiesto retrospectivo.
El groove es cálido, fluido. Es el único momento donde el disco parece respirar con cierta ligereza. Funciona como epílogo optimista y deja la sensación de que el disco no termina, sino que se disuelve.
Durante aquel período se grabaron otros temas que fueron publicados como singles. Fueron ellos “Supercollider” / “The Butcher” y “The Daily Mail / “Staircase” (estas dos canciones registradas en The King Of Limbs: From the Basement)
Era evidente que The King of Limbs no buscaba el impacto inmediato, sino más bien una inmersión proyectada en el tiempo. Varios lustros después, su apuesta por desaparecer en el ritmo suena menos evasiva y más visionaria.
Quizá no sea el disco más amado de Radiohead, pero sí uno de los más puros en su apuesta estética.
Juan Carlos Ballesta
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