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Queen y su elaborado y variado segundo álbum

Queen II

El 8 de marzo de 1974, el famoso cuarteto inglés publicó su segundo disco, una ecléctica demostración de sus intereses y dirección inicial

Queen
Queen II

EMI/Elecktra. 1974. Inglaterra

De la discografía de Queen, siempre he considerado a Queen II como uno de sus mejores trabajos, ello debido a la gran variedad de estilos en donde se fusionan elementos del hard rock y heavy metal con el folk y el rock progresivo imperante en aquélla época, sin olvidar el gran talento desarrollado por Freddie Mercury, Brian May, Roger Taylor y John Deacon, quienes logran llevar a un nivel superior el sonido que habían presentado con su primer álbum.

Aún así, tengo que reconocer que por la complejidad y diferentes estilos de las canciones incluidas en Queen II, éste no fue para mí un disco fácil de asimilar cuando lo compré en 1981, ya que requirió ser escuchado varias veces hasta darme cuenta que musicalmente estaba frente a una verdadera obra de arte.

Y si bien es cierto que la banda siguió utilizando en su producción futura muchos de los elementos musicales presentados en Queen II, dichos estilos nunca estuvieron tan concentrados como en este disco.

Apenas había transcurrido un mes desde la publicación de su primer disco, cuando la banda volvió a encerrase en los Trident Studios de Londres durante agosto de 1973 para comenzar a grabar Queen II, bajo la producción del grupo junto a Roy Thomas Baker, con Robin Geoffrey Cable en algunos temas y Mike Stone como ingeniero de sonido.




En vez de presentarse la edición en acetato con el habitual lado A y lado B, las caras del álbum fueron divididas en “Lado Blanco” y “Lado Negro”; con las composiciones de Brian May dominando casi la totalidad del “Lado Blanco”, a excepción de una pieza compuesta por Roger Taylor, mientras que los temas escritos por Freddie Mercury dominan todo el “Lado Negro”.

De este modo, el denominado “Lado Blanco” se inicia con un breve instrumental escrito por Brian a principios de 1973 y que lleva el nombre de “Procession”, en cuya entrada escuchamos el bombo de Roger sonando lentamente para luego entrar Brian con su “Red Special”, siguiendo un sombrío ritmo por el canal izquierdo que nos deja la impresión de estar al frente de una procesión funeraria, acompañado por una sobregrabación de la misma guitarra en el canal derecho.

Después de transcurridos cuarenta segundos del tema, Brian introduce otra tonalidad con su guitarra en el canal derecho mientras que ésta responde a su vez por el otro canal, para posteriormente ejecutar con ambas guitarras una melodía que formará parte del siguiente tema.

Para obtener el sonido de la guitarra en “Procession”, Brian explicó que transmitió el sonido de su “Red Special” a través de un amplificador creado por John Deacon, denominado por la banda como el “Deaky Amp”, para que de este modo su guitarra emulara el sonido de un violín, creando así una pequeña orquesta al sobregrabar sus partes.

Procession” tiene la distinción de ser el único tema instrumental que inicia un álbum en estudio de Queen; también fue utilizado como número de apertura en las presentaciones efectuadas por el grupo entre abril de 1973 hasta junio de 1975, cuyo sonido provenía de los canales de audio y que servía de preludio para la entrada de la banda. También la utilizaron como tema de inicio en los dos conciertos efectuados en el Earl’s Court Arena de Londres, en junio de 1977.




Sin solución de continuidad y con Brian realizando unos efectos de sonidos y arpegios con su guitarra, comienza el extraordinario tema “Father To Son” (el cual formó parte de la presentaciones efectuadas por Queen entre abril de 1973 hasta mayo de 1975), siguiendo con una gran entrada de la batería de Roger junto al bajo de John, dándole paso a la gran voz de Freddie quien toma el control de la canción, asumiendo el papel de un padre quien le pide a su hijo por medio de una carta, que siga adelante con su legado para que sea transmitido de generación en generación.

La canción cuenta con una instrumentación bastante cercana al hard rock junto a un excelente juego vocal de la banda, predominando la “Red Special” de Brian, cuyo ritmo recuerda un poco al tema “Son And Daughter” de su anterior disco.

Cuando la canción alcanza los cuatro minutos, ésta (sin abandonar la melodía inicial) se transforma en una balada con la delicada voz de Freddie cantando sobre un fondo de piano interpretado por Brian, quien también se destaca con su orquesta de guitarras, mientras que la sección rítmica de John y Roger mantienen el ritmo.

Concluye esta sección del tema con la voz sobregrabada de Freddie repitiendo el título de la canción y utilizando la melodía que escuchamos en “Procession”.

Posteriormente escuchamos una coda conformada por las voces de Freddie, Roger y Brian, cuyos coros se van intercalando por los dos canales y en donde podemos escuchar a John Deacon, quien sin dejar el bajo, mantiene el ritmo con una guitarra acústica mientras Brian continúa efectuando sus solos.

Después el sonido de las voces y la música se van desvaneciendo ante la entrada de la guitarra de Brian, la cual suena como un violín y nos lleva de inmediato a “White Queen (As It Began)”, uno de las más hermosos temas escritos por el guitarrista, con Freddie cantando unas letras que relatan el final de una relación amorosa, en donde el protagonista se resigna al hecho de perder a su amada “Reina Blanca” al darse cuenta que ésta no siente lo mismo por él.

La canción se inicia con la voz de Freddie cantando sobre un fondo de guitarras acústicas acompañadas por los platillos de Roger, quien posteriormente sigue el ritmo marcado por los lentos arpegios de Brian, todos sonando sobre una base de coros efectuados por Freddie, Roger y Brian.

Después del segundo verso, la guitarra acústica de Brian toma el control con un exquisito solo cuyo sonido se asemeja al de un sitar, para después intervenir el mismo Brian interpretando la “Red Special” de manera sobregrabada, en donde efectúa su distintivo solo.

Concluye la canción con el cantante despidiéndose de sus amigos.

White Queen (As It Began)” fue incluida en el repertorio en vivo de la banda de manera constante, desde marzo de 1974 hasta junio de 1977, siendo interpretada por última vez y de manera excepcional durante una presentación efectuada el 13 de mayo de 1978, en el Empire Pool de Londres.

Así mismo, el grupo registró una versión bastante parecida a como la interpretaban en vivo (en donde Freddie demostraba su destreza con el piano), en una sesión efectuada ante la BBC de Londres, el 03 de abril de 1974, la cual sería transmitida el 15 de abril de ese mismo año, publicándose posteriormente en la recopilación On Air en noviembre de 2016.




Volviendo a Queen II, el álbum continúa con “Some Day One Day”, una canción de ambiente folk realizada por el sonido de guitarras acústicas las cuales inician el tema, en tanto que Roger interviene interpretando el gong de manera discreta para luego marcar el ritmo con la batería junto al bajo de Deacon, con Brian efectuando diversas melodías utilizando su “Red Special” y cantando por primera vez en un disco de Queen unas letras que mantienen una temática similar al tema “White Queen (As It Began)”, pero expresando cierta esperanza en que algún día podría estar con su “Reina”.

La canción se destaca por la orquestación de guitarras efectuadas por Brian, las cuales adornan gran parte de la pieza y siguen sonando hasta irse desvaneciendo en fade-out. “Some Day One Day” nunca llegó a ser interpretado en vivo por Queen.

Todavía no hemos dejado de escuchar el final del tema anterior cuando de manera abrupta interviene Roger Taylor con su batería, la cual suena de manera independiente y marca un ritmo lento pero pesado, siendo acompañado por tres notas efectuadas con una marimba amplificada al principio, pero que resuena a lo largo del tema por debajo de la mezcla.

Da inicio a un hard rock denominado “The Loser In The End”, en donde la voz de Roger canta acompañado por la guitarra (acústica y eléctrica) de Brian junto a unas interesantes notas del bajo de John Deacon.

Destacan los solos de Brian, quien va respondiendo a cada frase cantada por el baterista, efectuando unas tonalidades agudas a medida que avanza el tema hasta irse desvaneciendo en fade-out.

Las letras de “The Loser In The End” describen en gran parte la tristeza de una madre al ver que su hijo la abandona después de todos sus cuidados (se escucha en el segundo verso el sonido de una puerta cerrándose).

Esta canción fue escrita por Roger Taylor y le da punto final al primer lado del disco o “Lado Blanco”; en la edición en CD sirve como puente entre los temas de Brian May y las posteriores canciones de Freddie Mercury.

The Loser In The End” tampoco llegó a ser interpretada en vivo por la banda.




El lado “B” del disco o “Lado Negro” contiene seis canciones compuestas en su totalidad por Freddie Mercury.

La primera de ellas es “Ogre Battle”, una de las canciones más pesadas del grupo y que formó parte de su repertorio en vivo hasta 1977, demostrando con su interpretación que Queen no tenía nada que envidiar a los grandes exponentes del rock pesado y heavy metal como Deep Purple o Black Sabbath.

El sonido de Ogre Battle” podría interpretarse como un predecesor al Thrash Metal que surgiría en los años 80.

Ogre Battle” comienza con un efecto en donde se simula al viento y que va entrando de manera ascendente hasta llegar a un poderoso grito que después es reproducido en reversa, mientras que Brian, John y Roger siguen un contundente ritmo con sus respectivos instrumentos, creando así el ambiente para otra sesión de gritos que después le dan paso a Freddie, quien nos relata una historia de otros tiempos en donde se involucran ogros luchando entre sí, siendo acompañado por Brian y Roger durante los coros.

Destaca Brian con un estridente solo después del puente, el cual es acompañado por los gritos de Freddie, quien después de cantar el último verso le da paso a sus compañeros para que vuelvan a interpretar el ritmo principal, terminando la canción con los gritos y Roger golpeando el gong.

Con el sonido de unas castañuelas interpretadas por el productor Roy Thomas Baker que se introducen cuando todavía escuchamos el gong del tema anterior, comienza de manera inmediata el fantástico tema “The Fairy Feller’s Master-Stroke”, adornado por la melodía de un clavicordio interpretado por Freddie, quien le da una atmósfera teatral a la canción.

Destacan la gran interpretación vocal de Brian, Roger y sobre todo Freddie, quien utiliza el falsete en diversos pasajes, sin olvidar el contundente ritmo efectuado por el bajo de Deacon junto a la batería de Roger y con Brian ejecutando notables intervenciones con su guitarra. Para apreciar mejor el tema, es recomendable escucharlo con audífonos.

Freddie Mercury llegó a declarar que se inspiró en escribir las letras basándose en personajes que aparecen en un cuadro que lleva por nombre el título de la canción y que fue realizado por un pintor inglés de la época victoriana de nombre Richard Dadd (1817-1886), encontrándose dicho cuadro en la Galería Tate de Londres.

The Fairy Feller’s Master-Stroke” fue interpretado en vivo esporádicamente en la gira de promoción de Queen II, encontrándose una versión en el álbum Live At The Rainbow ‘74, publicado en septiembre del 2014.




Al concluir “The Fairy Feller’s Master-Stroke”, se introduce en modo de coda una hermosa ejecución del piano por parte de Mercury quien nos trae una mini balada titulada “Nevermore”, en la que el cantante expresa toda su tristeza al verse abandonado de manera expresa por su amor.

Destaca la gran interpretación vocal de Roger, Brian y Freddie, cuyos coros resuenan a lo largo de la pieza, en donde también podemos escuchar una discreta intervención de la “Red Special” de Brian junto al bajo de Deacon.

La producción de “Nevermore” estuvo a cargo de Robin Geoffrey Cable y Queen; y aunque nunca fue interpretada en vivo, el grupo grabó una versión en los estudios de la BBC de Londres el 03 de abril de 1974, incluyéndose una batería ausente en la versión original y que luego sería transmitida el 15 de abril de 1974, publicándose después en la recopilación On Air en noviembre de 2016.

En abierta contradicción con la hermosa y elegante “White Queen (As It Began)” de Brian May, Mercury nos trae la sombría y siniestra “The March Of The Black Queen”, que contiene unas letras de difícil interpretación (ya que su autor nunca habló de ellas) y cuya producción estuvo a cargo de Roy Thomas Baker, Queen y Robin Geoffrey Cable, llevando la música del grupo a los terrenos del rock progresivo, tal como Freddie lo había hecho en el primer álbum con “My Fairy King” y que en un futuro cercano realizará con mayor éxito en “Bohemian Rhapsody”.

The March Of The Black Queen” se inicia con unas dominantes notas del piano de Freddie seguido por un breve pero contundente solo de Brian que se pasea por ambos canales, que funcionan a modo de introducción hasta que Freddie comienza a cantar sobre un fondo vocal, en donde el narrador se pregunta el por qué está siguiendo a alguien (supongo que a la “Reina Negra”),

Seguidamente la coral conformada por Freddie, Roger y Brian toma el control y van resonando por ambos canales siguiendo el ritmo del piano y la batería, interviniendo luego la voz de Freddie quien entona una melodía diferente mientras le dice al oyente que está frente a algo grandioso comparable con ir al cielo y regresar vivo.

Freddie efectua el coro junto a sus compañeros para después volver Brian ejecutando un solo con su guitarra y apareciendo después de otra estrofa cantada por Freddie, sobregrabando el sonido de su “Red Special” y efectuando unos toques de campanas mientras escuchamos un fondo de voces.

Cuando la canción alcanza los tres minutos, el tempo se desacelera y estamos frente a una hermosa balada en donde Freddie ejecuta unos ligeros toques en el piano mientras su delicada voz parece asumir el papel de la “Reina Blanca” quien trata de entregar amor.

Pero después de los cuatro minutos, la “Reina Negra” lanza su ataque mientras que el fondo de voces resuenan por ambos canales y después Freddie se identifica como el “Amo de la oscuridad y la Reina de la noche”, efectuando un breve intercambio vocal con Roger, interviniendo luego Brian quien ejecuta un solo con las voces aún resonando.

Esta sección (en donde la “Reina Negra” reaparece), sería la única parte del tema que sería interpretada en vivo por Queen mientras interpretaban su popurrí, entre octubre de 1974 hasta septiembre de 1976.

Luego de otra estrofa cantada por Freddie acompañado por las voces en el fondo, Brian ejecuta un solo de guitarra acompañado por el piano de Mercury, cuyas lentas melodías parecieran repetir la parte final de la canción “My Fairy King” del disco anterior.

Y cuando pensamos que “The March Of The Black Queen” ha llegado a su final, nos encontramos con una movida coda propulsada por el piano y la voz de Freddie, quien canta de manera alegre y le da paso inmediatamente a la siguiente canción,




Funny How Love Is” comienza con las guitarras acústicas de John y Brian junto al piano de Freddie, quien utilizando una voz en falsete nos canta sobre las ventajas de estar enamorado, mientras Roger interpreta instrumentos de percusión, acompañado por las castañuelas de Roy Thomas Baker.

Funny How Love Is” lleva un ritmo bastante uniforme a lo largo de la canción y al igual que en los temas anteriores, no dejan de sonar los fondos corales y la “Red Special” de Brian.

La canción presenta un sonido similar al utilizado por Freddie cuando grabó los temas “I Can Hear Music” y “Goin’ Back”, que se publicaron en un sencillo bajo el nombre de “Larry Lurex” en junio de 1973 y cuya producción estuvo a cargo de Robin Geoffrey Cable, quien también produjo junto a Queen “Funny How Love Is”, reproduciendo el “muro de sonido” popularizado por Phil Spector.

Esta es otra canción que nunca fue interpretada en vivo por la banda.

Queen II finaliza con “Seven Seas Of Rhye”, en la cual Freddie demuestra su destreza con el piano y cuyo ritmo ya se había escuchado con una tonalidad más lenta en un breve instrumental al final del primer álbum, agregando en esta ocasión unas letras que identifican al cantante como un Dios que desciende a la tierra para desafiar las leyes de la naturaleza.

La canción cuenta con una gran interpretación por parte del grupo, destacándose el uso de la pandereta en el puente y Brian ejecutando un solo en la parte intermedia, el cual, según lo declaró el propio Brian años después, fue producto de su autoría.

Pero Freddie figura como único compositor, ya que habían acordado que quien tuviera la idea original sobre la creación de algún tema, éste sería quien llevara el crédito.

Seven Seas Of Rhye” concluye con el grupo entonando una canción de Music Hall británica titulada “I Do Like To Be Beside The Seaside”, escrita por John Glover-Kind en 1907 y hecha popular por el cantante y comediante Mark Sheridan (1864-1918).

Seven Seas Of Rhye” fue publicado como sencillo en febrero de 1974 y constituyó para Queen su primer gran éxito; la banda la interpretó en vivo desde la gira de Queen II hasta 1976, posteriormente fue reinstalada como parte del popurrí desde 1984 hasta 1986.




En las notas internas del álbum se identifica por única vez al baterista con el nombre de “Roger Meddows-Taylor” y se identificó de manera correcta al bajista John Deacon, quien no había quedado contento al ser identificado en el primer disco como “Deacon John”; señalándose igualmente que nadie había tocado los sintetizadores.

Durante las sesiones de grabación del disco, el grupo registró una composición de Brian May titulada “See What A Fool I’ve Been”, cuyo estilo basado en el blues sería poco explorado por Queen y en la que Freddie canta lamentándose por el abandono de su pareja, utilizando un estilo de voz bastante cercano al falsete.

A pesar de ser publicado únicamente como lado B” del sencillo de “Seven Seas Of Rhye”, la canción tuvo una difusión constante en las presentaciones del grupo desde 1972 hasta abril de 1976; e incluso llegaron a grabar una versión en los estudios de la BBC en Londres el 25 de julio de 1973, la cual se publicó en la recopilación On Air.

See What A Fool I’ve Been” sería interpretada en vivo por última vez, cuando Queen improvisó una presentación para los miembros del fan club, quienes habían asistido a la filmación del vídeo de “We Are The Champions”, el 06 de octubre de 1977.

La icónica portada de Queen II, que como todos saben fue reproducida en el vídeo de “Bohemian Rhapsody” en 1975, fue realizada por el fotógrafo Mick Rock, reconocido por sus fotografías efectuadas a Syd Barrett, Iggy Pop, Lou Reed y David Bowie, entre otros, quien siguió el concepto del disco al tomar fotos del grupo con vestuarios y fondo blanco, una de las cuales formaría parte de la parte interna de la portada, y otra con un fondo negro en donde sobresalen los rostros de los integrantes, con Freddie adoptando la pose de la actriz Marlene Dietrich, quien años atrás se había tomado una fotografía similar y que Mick Rock había adquirido para enseñársela al cantante.

Para efectuar esta reseña consulté la información incluida en los libros “Queen – Complete Works” de Georg Purvis, “Classic Queen” por Mick Rock, las entrevistas incluidas en el vídeo “Queen – Days Of Our Lives” y las notas efectuadas por Greg Brooks, incluidas en la recopilación Queen – On Air, publicada en noviembre de 2016.

Rafael Coutinho


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