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Flesh and Blood: 40 años de la exitosa entrada de Roxy Music a los 80

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Flesh and Blood

El 23 de mayo de 1980 fue publicado del octavo disco de la banda inglesa, una exitosa entrada a los años 80, alejada del glam rock 

Roxy Music
Flesh and Blood

E.G./Reprise. 1980. Inglaterra

No se puede hablar de Roxy Music sin al menos mencionar el “glam rock”, una especie de subgénero del rock definido por las extravagantes vestimentas de sus músicos y representada por super estrellas como Jobriath, David Bowie, Marc Bolan & T-Rex,  Slade, Alice Cooper y New York Dolls.

Distinguidas también por las teatrales performances, el género tiene en The Rise and Fall of Ziggy Stardust and The Spiders from Mars, la grandilocuente pieza conceptual de David Bowie lanzada el 18 de junio de 1972,  a uno de sus puntos más altos.

En esos años glam, Roxy editó álbumes esenciales como Roxy Music (1972), Stranded (1973), For Your Pleasure (1973), Country Life (1974) y Siren (1975)

Corrientes a las que hoy nos referimos como punk rock, new romantic, gothic rock o synth-pop, son algunos de los estilos derivados del glam rock, género que también estaba representado en los inicios del legendario productor y experimentalista Brian Eno, teclista de la primera encarnación de Roxy Music.

Roxy Music entraba a la década de los 80 convertida en un trío conformado por su fundador Bryan Ferry, teclista/vocalista; el saxofonista/oboísta Andy Mackay; y el guitarrista/bajista Phil Manzanera.

La banda contaría para esta ocasión con el apoyo de un número importante de músicos de alta factura como el baterista Simon Philips y el teclista Paul Carrack.

Encargado de la consola de audio de Basin Street Studios, encontramos a Rhett Davies junto a la propia banda.

Las dos hermosas chicas de la carátula, motivo recurrente de las portadas de la obra discográfica de Roxy Music, se convierten en tres cuando desplegamos este clásico LP cuyo arte fue concebido por Peter Saville con fotografía de Neil Kirk.

Flesh and Blood (carne y hueso) es una obra contentiva de diez temas de los cuales “In The Midnight Hour”,  “Over You”, “Oh Yeah” y “Same Old Scene” fueron lanzados como sencillos.

Las cinco piezas del primer lado inician con el clásico de 1965 “In The Midnight Hour” de Wilson Pickett y Steve Cropper. Ferry inicia con una cuenta progresiva con efecto de eco, acompañado por la guitarra de Neil Hubbard (Juicy Lucy, Joe Cocker, Blusology) y la sección rítmica del bajista Gary Tibbs (Adam and the Ants) y el baterista Allan Schwartzberg (Mountain, Alice Cooper, Peter Gabriel).

Ferry nos canta: “Voy a esperar hasta la media noche, cuando mi amor se derrumbe, voy a esperar hasta la media noche, cuando no haya nadie entorno…”  La pieza se distingue por el excelente solo de saxo de Andy Mackay.

Oh Yeah!” es el segundo y pegadizo tema que inicia con las teclas y en el que Ferry nos cuenta: “Una expresión en tus ojos, me tomó por sorpresa, dónde estaba cómo podía saberlo, cómo podemos ir al cine cuando la música está aquí en mi carro, hay una banda sonando en la radio al ritmo de las guitarras, tocan oh yeah! En la radio…”  La pieza se caracteriza por las guitarras. Schwartzberg repite pero esta vez haciendo dupla rítmica con el bajista Neil Jason (Paul McCartney, Paul Simon, Pete Townshend).

Paul Carrack es el responsable de las cuerdas en este tema que luego cede espacio a otro exitazo de esta obra discográfica, “Same Old Scene”. La pieza es una de las más movidas del disco donde la rítmica está en las manos de Allan y el bajista Alan Spenner (†) (Peter Frampton, Kenny Loggins, Mick Taylor).

Ferry nos recuerda que “Nada es eterno….

Cierran el lado A, el tema titulo y la más aletargada “My Only Love”. En la primera, escuchamos la batería de Andy Newark, recordado miembro de la icónica Sly and Family Stone.

Ferry toca también la guitarra en este tema y nos canta: “Mi amiga es carne y hueso, ella duerme mucho, si pudieras la clavarías, pero ella dice, ámame por lo que pienso, no soy de otro tipo…”

Las teclas inician “My Only Love” con la misma sección rítmica, más Simon Philips como responsable de la percusión..

“Me he preguntado, más de lo que dicen las palabras, el cielo sabe que es lo suficientemente duro para orar, Déja que te diga algo, ha habido un cambio en mí, aún ahora que te has marchado, siempre estarás ausente…”

Over You” inicia el lado B con sus rítmicas frases y un sonido que caracterizaría a los 80 con los distintivos solos de piano y saxo y más complejo que aquél del punk.

Le sigue una interesante versión en clave funky-pop del clásico de The Byrds, “Eight Miles High”, compuesto por David Crosby, Roger McGuinn y Gene Clark.

Gene Hubbard y Phil Manzanera son cómplices de esta excelente versión, que Roxy desliga totalmente del espíritu psicodélico original

Rain Rain Rain” continua el repertorio, muy alineada con el momento, con un sonido no muy lejano a Ultravox o Japan, grupos que paradójicamente se habían nutrido del Roxy original. Además, ciertas pinceladas reggae modelan uno de los más atractivos temas del disco.

“Mejor toma lo que queda, porque estoy irritado, con el temor de la noche en aumento…”

No Strange Delight” y “Running Wild” fueron compuestas por Ferry y Manzanera, al igual que “Over You”.

En la primera Neil Jason retorna al bajo para unirse a Schwartzberg. Un cierto aire misterioso y romántico rodea a esta canción que resulta bastante interesante sobre todo por el teclado.

Finalmente es la hermosa “Running Wild”, tema en el cual Bryan Ferry nos dice:“Allí está esa melodía otra vez, ardiendo en mi cabeza, me lleva a mi viejo amigo, me preguntó cuánto habrás cambiado… corriendo salvaje como lo haces…”

Mackay resalta con su saxo y una vez más Paul Carrack toca el piano. En la pieza hay un llamativo solo de guitarra de Manzanera.

La banda recurrentemente tocaría más de la mitad de este repertorio en sus conciertos de la época. Hecho curioso resalta la versión de “Jealous Guy” de John Lennon que Roxy Music interpretara por primera vez en Wembley la misma noche en la que fue asesinado Lennon.

Roxy Music grabaría otra muy exitosa obra discográfica dos años más tarde a la que titularía Avalon (1982) y que sería más apreciada que esta, siendo su más accesible álbum y a la vez el último en estudio.

Leonardo Bigott